Oblio: Recensione

Oblio è un fumetto creato da un "collettivo" di autori e autrici regalatomi in amicizia da una di questi (grazie Diletta). È un'opera mista (ogni capitolo ha un disegnatore differente) basata sul senso di perdita (il protagonista perde la fidanzata in un disastro ferroviario) e la successiva riparazione del vuoto, dell'Oblio per l'appunto, che inevitabilmente segue al trauma. Il fumetto, composto da un unico volume autoconclusivo, è nato come autoproduzione per essere poi definitivamente distribuito dalla casa editrice Double Shot. La qualità generale dei disegni è buona e le tematiche di grande interesse per chi come me apprezza le narrazioni psicologiche e introspettive. Non si tratta tuttavia di un'opera perfetta: in Oblio vi sono troppi alti e bassi, troppa voglia di strafare e di lasciare il segno a tutti i costi, ovviamente a discapito di coerenza e realismo. 

Il capitolo che ho apprezzato di più è il primo: Michelangelo Tani fornisce un affresco molto evocativo e realistico del momento della perdita: sembra quasi di essere lì, sul treno, con l'amore della propria vita. La cosa forse ha valenza (involontariamente) simbolica: la morte, la perdita, il lutto, la separazione dalla propria amata è the real deal, la cosa reale. D'altro canto tutto il resto dell'opera, ossia il modo di affrontare tale "cosa reale", mi pare invece troppo macchiettistico e succube della finzione. La cura al trauma sembra più una forma di sedazione che una vera guarigione: la nuova ragazza del protagonista è una tizia conosciuta in discoteca con cui lui ha una relazione più sessuale che altro; all'ospedale c'è il pagliaccio che fa ridere i bambini stile Robin Williams e quindi sì, visto lo spettacolo tutto a posto, possiamo anche guarire. 

Il punto più basso dell'opera è indubbiamente il finale, che nella sua apparente inconsistenza e fighetteria da bimbi nichilisti intenti a leggere Schopenauer sulle giostre di Gardaland, in realtà è un po' il coronamento di un percorso fin da subito confusionario, una ricerca di senso fin troppo ostacolata da sensazionalismo e americanate di ogni tipo. Ci deve essere qualche vignetta splatter sulla guerra e allora il protagonista deve per forza incontrare un barbone reduce del Vietnam; ci devono essere delle rozze citazioni a Stephen King che cozzano con l'introspezione, relegandola involontariamente a simulacro: il mostro/ombra/male assoluto da affrontare con titanismo infantile, francesino, come se il dolore e la perdita avessero realmente un volto, una forma e un senso. 

Insieme al talento indiscutibile di Michelangelo Tani, ho molto apprezzato l'espressività di Genny Ferrari, il cui capitolo si potrebbe dire che sia il mio "secondo preferito". La fumettista infatti presta molta attenzione alle emozioni dei personaggi, ai loro primi piani, agli sguardi ecc. Peccato che il finale sputtani poi tutto, non riuscendo a far diventare il fumetto neanche un'opera di "ricostruzione del sé" con un fine ultimo, con un qualche senso educativo che non sia la solita piangina millennial verso il mondo/società brutta e cattiva. Da notare comunque il tratto espressionista di Antonio Marino, che disegna il capitolo più introspettivo dell'opera (che tuttavia ho trovato molto debole nei dialoghi).  

                                

Volendo fare un discorso più generico, la verità è che perdere la persona che si ama, addirittura vederla morire, è un dolore talmente grande che non può mai essere veramente rappresentato (vedasi La Nascita della Tragedia di Nietzsche). Ogni rappresentazione ha soltanto una funzione riparativa, allo stesso modo dell'affetto a pagamento elargito dagli psicologi o dalle prostitute. L'assenza della persona amata pesa più di un macigno; il vuoto, modulo vari strati di finzione e sedazione introiettati al fine di colmarlo, rimarrà sempre e a prescindere da tutto. In vita ciò che si danneggia si danneggia e basta, e ripararlo lascerà sempre qualche traccia di irrisoluzione, un po' come un vaso rotto i cui cocci sono stati riattaccati l'un con l'altro con la colla. Incontrare un barbone alla David Lynch nel proprio sogno, come accade nel capitolo disegnato da A. Marino, è cosa quasi risibile rispetto a una Juliette Binoche che si sfrega la mano contro il muro fino  a farsela sanguinare in Trois Coleurs: Bleu. Le stanze in cui prima c'era la persona amata che diventano vuote, silenziose, con tu che devi viverci dentro nonostante tutto, con il torace che ti si gela, le mani che ti tremano, le occhiaie che quando ti guardi allo specchio fanno quasi paura. Non c'è la guerra, non ci sono il Ponte Morandi e l'irritante magna magna dirigenziale italiota che uccide e affama la gente, non c'è I.T. né il pagliaccio buon samaritano dell'ospedale. Non c'è nulla, niente, tabula rasa. Forse era questo che volevano davvero rappresentare autori come Bergman, Antonioni o Kieślowski. Ma erano altri tempi, non esisteva ancora l'immersione totalizzante nella finzione/sedazione dell'oggidì. Esisteva una coscienza del reale e soprattutto della realtà della sofferenza. 

Chiusa la parentesi cinematografica e volendo tornare sul psicologico/filosofico, a seguire dal trauma, esistono vari gradi di danneggiamento, e vari gradi di riparazione. Nonché diverse tendenze all'aggravamento o all'alleviamento. Il fatto è che tutto ciò richiede tempo, la percezione dell'amore altrui, un tessuto sociale coeso. Tutto cose assenti nell'oggidì. Ed ecco che la finzione diventa una delle poche cose a cui attaccarsi per non cadere, appunto, nell'Oblio. E qui si spiega tutto il dramma del nostro tempo, in cui l'amore lo si paga o lo si ricerca in cani e/o pupazzi dei Pokémon, relazioni tossiche o, volendo generalizzare, nei feticci consumistici e umani tutti. E questo fumetto ne è un esempio lampante: nel dolore ci si aggrappa ai propri feticci consumistici adolescenziali, ai propri totem dell'intrattenimento, perché a livello umano non vi è nient'altro a parte essi.